Los veranos siempre han sido etapas fundamentales para descubrir música. La cantidad de tiempo libre y el consecuente ocio son el ambiente natural para exaltar la curiosidad y la necesidad de conocer nuevos discos. En el verano de 2011, descubrí en gran medida lo que a veces es conocido como "indie", pero basta con decir que dejé de escuchar grupos como Oasis, Pink Floyd y Radiohead y me adentré en otros como Echo & The Bunnymen, Joy Division o Sonic Youth. Aquel verano quemé un disco (el cual se titulaba simplemente Chido!) que incluía temas como 'Don't Carry It All' de The Decemberists, 'What Difference Does It Make?' de The Smiths y 'Heart In Your Heartbreak' de The Pains Of Being Pure At Heart. Respecto a la última, no sabía que me gustaba más, si la canción o el increíble nombre de la banda. He escuchado los dos discos y el EP de The Pains Of Being Pure At Heart, y por lo tanto los conozco muy bien. Este nuevo Days Of Abandon compite por ser su mejor lanzamiento, igualado tal vez con su debut homónimo. Creo que los temas los tiene y son casi todos muy fuertes, conjuntándose además con una buena cohesión, pero el impacto ya no es el mismo. Creo que a los chicos de esta banda les pasa algo parecido a lo que le sucede a Belle & Sebastian: Vaaaya que saben hacer canciones, pero para ello deben de apegarse a un método que es muy suyo y muy identificable. Ésta es música que alude a los sentidos y a los sentimientos, es dulce y también tiene algo de sensual, pero ese toque distorsionado y peligroso que propuso el shoegaze hace unas cuantas décadas le da un enfoque novedoso. 'Kelly' será de las mejores canciones del año.
8.6 (Experimedia) Folk, Clásica Hablar de John Matthias en el año 2014 no es ni remotamente descubrir el hilo negro y, sin embargo, creo que aún le falta al mundo de la música descubrir a este guitarrista y violinista inglés. Conocido principalmente por su trabajo en colaboración con Radiohead, tocando el violín de uno de sus mejores y más importantes trabajos, The Bends, John Matthias a incursionado en varios proyectos tanto solistas como de grupo que deberían de colocarlo entre una de las ofertas más bellas, disfrutables y únicas que, en mi opinión, existen en la música folk y clásica de la actualidad. Tanto su primer álbum Smaltown, Shinning, como Stories From The Watercolor, que es el que precede al de esta reseña, son dos álbumes impresionantes que hacen bastante sorprendente el hecho de que John Matthias sea un artista que hoy en día pasa completamente desapercibido. Es por eso que señalo que éste es un artista que en mi opinión debe de ser redescubierto, si no es que simplemente descubierto, siendo que nunca ha tenido un buen grado de fama ni crédito. En Geisterfahrer canciones del estilo de Nick Drake y otras tantas que son básicamente piezas de clásica moderna se entrelazan, manifestándose con la mayor belleza cuando ambos aspectos se combinan. El resultado es un álbum que honestamente tiene poco de pop, pero que tiene muchísimo de belleza, además de una dimensión completamente distinta del cantauntor como lo conocemos en la música folk y popular. Matthias es al mismo tiempo el cantante trascendente y sensible que encontramos en un Neil Young y el compositor inteligente y sensible que es alguien como John Zorn.
9.1 (Erased Tapes) Cantautor, Piano, Electrónica Quizás no tenga la controversial feminidad de Anthony Hegarty, la clase de Jens Lekman, los conocimientos electrónicos de James Blake o la teatralidad de Freddie Mercury, pero tengo la certeza de que todos ellos amarían su música. Además, cabe aclarar que Douglas Dare si mantiene semejanzas con esos geniales personajes: la sensibilidad del primero, el buen gusto del segundo, la creatividad del tercero y la voz del cuarto. Este último punto tarde un poco en descifrarlo pero, tras escuchar varias veces el disco, me di cuenta de que la razón por la que me resultaba tan familiar la música de de Dare es el gran parecido de su timbre de voz a aquel de Freddie Mercury. No siempre se tiene la oportunidad de escuchar el timbre de Freddie cantando música vanguardista. Mínimo una vez por año, recibo una sorpresa tan inesperada que no tengo más que darle gracias a la página donde encontré aquel disco que me encantó, aún si lo escuché sin el 1% de expectativa. Whelm es el álbum debut del pianista y cantante británico Douglas Dare, el cual sigue al lanzamiento del EP Seven Hours que apareció en septiembre del año pasado. Aquel EP fue bastante bueno y tuvo una recepción impecable, pero en mi opinión sería muy aventurado decir que fue un justo indicador de lo que estaba por venir. De principio a fin, este álbum maneja una emoción que es para dejarte frio y con la piel erizada, además de que está perfectamente manejado para mantener el interés y la intriga del escucha. Escuchando el disco con mi novia, recuerdo que me comentó que la transición de la hermosa 'Whelm' a la oscura y perturbadora 'Unrest' "era como despertar de un sueño". Por otra parte, es sorprendente que, siendo un disco relativamente experimental, la mayoría de las canciones se mantengan en pie de manera formidable por si mismas. Hablo de 'Repeat', 'Caroline', 'Swim', todos ellos temas formidables que hacen de este disco uno digno de guardar en los archivos de este 2014 para que sea recordado durante mucho, mucho tiempo.
8.4 (Matador) Alternativo, Industrial Me parece que EMA ha demostrado ser una persona muy inteligente con una visión de la música y, quizás, de la vida que la hace única en varios sentidos. En el año 2011, uno muy importante para mi por ser cuando empecé en la búsqueda de nueva música que saciara un poco mi necesidad de sonidos distintos, fue cuando salió el primer disco de Erika M. Anderson, Past Life Martyred Saints, un álbum que me gustó mucho y que estaba inundado con el tipo de sentimientos de coraje y desesperación con los que yo me podía identificar, algo así como una catarsis por parte de una cantautora que mostró al mundo que tenía muchas cosas interesantes e importantes por decir. En este disco sigue teniendo muchas cosas interesantes que decir, eso sin duda, mas me queda la impresión que si aquel primer álbum fue personal y confesional, este es más bien una puesta en contexto de dichos sentimientos. The Future's Void es, desde su nombre, un álbum que encuentra a EMA prescribiendo una visión fría y no muy alentadora del mundo en el que vivimos. No es de lo más sano hacer comparaciones de género, pero creo que cada vez es más común ver a mujeres lanzando este tipo de música con un toque posmoderno que tan bien le viene a la escena actual. Ahí tenemos a Zola Jesus, Iamamiwhoami y la misma EMA dando la cara en dicho aspecto.
Roberto: 8.4 (Captured Tracks) Indie Rock, Pop Rock, Folk
Casi siempre antes de empezar a escribir sobre
algún disco checo en internet,tanto la biografía del autor, como las criticas que a recibido el
disco, si es que existen.
Esto no es tanto para saber una opinión concreta del
disco, sino para rescatar algún punto interesante que se me haya pasado. Así
que me dispuse hacerlo y me tope con lo fácil que era ver uno de los videos, del que ya es una figura en Youtube, y del que quizás muchos ya hayan visto sus
videos o por lo menos visto alguno; me refiero a Anthony Fantano, el
creadordel canal theneedledrop.com, el
cual, como ya dije, es considerablemente conocido.
Para los que lo conocen, pues ya saben cómo
es. Pero no está demás decir que tiene una personalidad excéntrica (por no
decir que es mamónal poner reseñas con
un promedio debajo de seis y que parece que nada le gusta por completo).Pero en fin, vi el video que reseñaba el
nuevo disco de Mac DeMarco Salad Days, el cual ha tenido un visto bueno en la mayoría de los escuchas. Pero como casi
siempre en contra de lo que la critica general diga, Anthony argumentaba que el
disco es muy mediocre, ya que Mac tenia mejores facetas en su anterior trabajo
2 y que ahora sus ambiciones se
mostraban falsas, con un sonido menos elaborado y más flojo, resaltando que los
únicos momentos buenos del disco eran los que más se acercaban a lo hecho
anteriormente por él.
Con respecto a su punto de vista acerca del
disco, diré que no se me hizo un argumento sincero. Y es que concuerdo con lo
que decía Lalo cuando reseño a Cloud Nothings; uno no debería juzgar un disco
por los anteriores trabajos del autor. Como ejemplo esta el mismo Cloud
Nothingsque cambio completamente su
estilo de música de un disco a otro y que no necesariamente esto significa que
sea mejor o peor, es sencillamente distinto. En el caso de Mac Demarco pasa lo
mismo. A lo mejor en 2 se escucho un sonido quecaracterizo mucho de lo que uno podría esperar de él, pero
este nuevo disco tiene una intención completamente distinta a la anterior.
En Salad Days se trata de expresar un aspecto tranquilo en la personalidad de Mac. Con ritmos sencillos y letras absurdamente cortas parece mostrar que está harto
de como la vida sigue un ritmo muy acelerado y te invita a la reflexión. Poniendo
cuestiones cotidianas llevándolas a un extremo absurdo, para también poner en
retrospectiva lo tonto que es preocuparse por banalidades.Salad Days
es un disco que no opone ninguna resistencia para quien lo escucha y puede ser
apreciado en cualquier época del año, a cualquier hora, en cualquier
circunstancia, acompañado por un buen cigarro, después de undía duro de trabajo o simplemente porque si.
Básicamente tomarse un momento para escuchar buena música y les aseguro que les terminará gustando el
disco, además de pasar un momento alegre sin importar sus sentimientos antes de
escucharlo.
-Roberto Mirafuentes
Lalo: 8.8
¿Que tanto debe de incidir en la calificación que le das a un disco el hecho de que verdaderamente lo hayas disfrutado?
Ultimamente ha habido mucho revuelo después de que un hombre llamado Ted Gioia se quejara a través de The Daily Beast de que los críticos musicales no se enfocan en cuestiones musicales (dígase: escalas, notas, teoría musical) para calificar o hablar sobre la música según ese criterio. Ya se le ha criticado de muchas formas esa opinión, y lo que yo diría al respecto es que no es el siglo XVII y que por lo tanto la crítica y en general toda la población pensante del mundo sabe que el arte vale por lo que expresa y por su contexto. Del mismo modo se escucha solo ocasionalmente a los críticos de cine o pintura hablar de cuestiones técnicas, mucho menos que de cuestiones estéticas o intelectuales.
Esto se reduce a que, sin la más mínima duda, yo y los que escriben como yo no somos ni científicos musicales, ni técnicos musicales, ni nada parecido. Escribimos por que lo disfrutamos y por que encontramos a gente que disfruta nuestro trabajo, a parte de nuestra pasión por conocer y compartir la música que nos conmueve, perturba, molesta, etc.
Salad Days de Mac DeMarco me gusta, de hecho, me gusta muchísimo. Junto con Benji ha sido el álbum que más he disfrutado de escuchar, lo cual no es lo mismo a decir que se me hace el mejor. Esta separación nace de los valores que rigen mi apreciación musical: es como si alguien te gustara más que tu novia, sería mejor no hacer nada al respecto pero disfrutarías más haciéndolo. Ese es el disco de DeMarco, aprisionante, mediocre, no-innovador, éticamente incorrecto, pero genial y disfrutable como pocas cosas.
Mac DeMarco trabaja con más seriedad que en sus entregas anteriores, por lo que deja de lado la excentricidad de los chistes vulgares y entra en la excentricidad de un pathos psicológico, trayendo canciones tan intimas y bellas como 'Brother' y 'Chamber of Reflection', una de las mejores canciones del año.
8.0 (Tru Thoughts) World Music, Jazz Quantic es un proyecto del música internacional que surge de la mente del productor electrónico y música inglés de jazz llamado Will Holland. Éste es solo uno de tantos proyectos en los cuales Holland aparece dándole a la música dance del panorama internacional una apertura y difusión bastante importante y, en mi opinión, este es quizás su mejor disco al momento. La verdad si genera bastante intriga el hecho de que un músico inglés, en especial por su fama como gente fría y seria (que es cierto en general he de aceptar), decida abordar este tipo de música. Enlistaré debajo la región o estilo que representa cada una de las canciones de éste disco exageradamente ecléctico. 1. Magnética - Free Jazz y Funk 2. You Will Return - Disco y Tropical 3. Descarga Cuántica - Cubana 4. Duvido - Africana 5. Arada - Árabe y Oriental 6. La Plata - Centroamericana y Cubana 7. Sol Clap - Free Jazz y Tropical 8. Spark It - Reggae 9. Caruru - Bossa Nova 10. La Callejera - Guaracha 11. Muévelo Negro - Africana/Centroamericana 12. Aguas de Sorongo - Bossa Nova 13. Painting Silhouttes - Indie En parte esta gran variedad de estilos se logra gracias al hecho de que Holland colabora con una gran cantidad de músicos, entre ellos varios bastante famosos en sus respectivos paises, como serían el colombiano Anibal Velázquez o la brasileña Iara Renno. Al final Magnética es más un disco extraño, exótico, casi de colección, de lo que es un buen disco en el sentido estricto. Sin embargo, nadie le quita el hecho de que escucharlo es un gran deleite.
8.5 (Captured Tracks) Punk, Hardcore Esta será la primera vez que menciono aquí en mi blog que tengo una banda. De hecho, tengo una banda. Lo menciono por que este álbum me hizo preguntarme que opinión le merecería a mis allegados si nos dedicáramos a hacer este tipo de música, y deduje que muuuy probablemente nos considerarían una desgracia en sus vidas, mínimo la mayoría de ellos. Sin embargo, siempre es bueno imaginar (o simplemente deducir) en este tipo de casos, que los músicos que pertenecen a agrupaciones como Perfect Pussy, que desde su nombre ya es sumamente desafiante, tienen tías, primos, padres, hermanos y, sobre todo, abuelitas. Nadie puede afirmar que eso en si mismo es algo menos que un mérito. Como dato curioso, Perfect Pussy emergió como una banda artificial que fue creada para la aparición en una película que realmente nunca llego a conseguir ninguna fama. Sin embargo, la cantante que fue contratada para interpretar a la frontman de dicha banda, Meredith Graves, decidió continuar con dicho proyecto llamando a los ex integrantes de su antigua agrupación neoyorkina, Shoppers. Lo que hace relevante a este disco es que es de los más rudos y escandalosos que se hayan escuchado en un tiempo, quizás junto con los de Fucked Up, pero con una onda que recuerda incluso a distintas etapas de los Boredoms, principalmente porque no todo aquí es punk, también hay hardcore y noise con tintes experimentales. Parte de la alegada magia del disco es su producción verdaderamente lo-fi y supongo que amateur, que provoca que las letras de la cantante sean bastante dificiles de entender.
9.0 (Secretly Canadian) Rock, Indie, Heartland Rock No es muy común de los críticos de música platicar precisamente respecto a la calificación que le dan a un disco, pues suelen dar la impresión de estar completamente seguros de si mismos. Yo estoy seguro de la calificación que le he puesto a este disco, pero he de admitir que se la pongo como un mínimo, es mínimo un 9. Este álbum es el ejemplo perfecto de la inspiración. Es tan superior a todo lo demás que había lanzado The War On Drugs que verdaderamente asombra, y hace por primera vez que dicho proyecto salga del estatus medio del indie para convertirse en algo mucho mayor. Después de todo, un grupo nunca volverá a ser el mismo cuando lanzó un álbum verdaderamente bueno (y es lo único que basta). No todos podrían imaginar que hoy en día llevar una dieta balanceada de Bruce Springsteen, Bob Dylan, Tom Petty y un poco de Rod Stewart te podría ayudar a hacer uno de los mejores álbumes de 2014. Para que exista el regreso de un estilo siempre son necesarias dos cosas que se atienden recíprocamente: que sea el momento temporal adecuado y que haya bandas que lo retomen. La conjunción de esos dos elementos es justo como se siente Lost In The Dream y, aunque no haya oído a nadie mencionarlo, la euforia que genera este disco es justamente gracias a que dicho retorno se percibe como un susurro, en especial por el gran retratamiento que se le da en este álbum. Adam Granduciel, cabeza y básicamente el solista que está a cargo de The War On Drugs, descarga muchas frustraciones con éste álbum y encuentra un sonido que verdaderamente se debería de apropiar de ahora en adelante. Ya que no todo aquí es heartland rock 70'ro, hay muchísimo de indie y un tanto más de Dream Pop, e incluso se sigue percibiendo una atracción por el ruido de bandas como Mercury Rev o Sonic Youth. Un dato importante es que, a pesar de la cohesión suprema que caracteriza al total de la obra en cuestiones de estilo y producción, las canciones fueron grabadas en más de 7 estudios distintos a lo largo de varios estados en EU, lo cual aumenta hasta cierto punto el mérito del álbum.
8.6 (Olsen Records) Disco, Italo, House Evidentemente, juzgar a un libro por su portada es un acto poco ético y bastante deplorable, que sin embargo le es común a todo el género humano, por más que se rehuya de ello cuanto se quiera. Esto lo digo pidiendo un vistazo a la foto que se presenta al final de la reseña. Él, es Todd Terje, nacido Terje Olsen, y si juzgáramos al libro por su portada podríamos convenir en que es un individuo con una apariencia Marxista-intelectual, que probablemente produce el techno más complicado y experimental imaginable, o cuyas letras buscan expresar la complejidad y problemática del arte y el mundo moderno. Me permito decir que, sin embargo, y por suerte, Todd Terje no es más que un sujeto que busca diversión y que la encuentra solo a través de una notable y destacable obsesión con el sonido y sus derivados. Su música toma elementos en igual medida de Giorgio Moroder, Roxy Music, Kraftwerk o Jean-Michel Jarre, pero conserva siempre un estilo propio, además de que se puede proclamar en muchos aspectos como una evolución de un género como el disco que, a pesar del repudio de muchos, se caracterizó por la innovación en la producción musical y, particularmente, electrónica.
Este es el primer álbum en largo que presenta Olsen después de haber lanzado un par de EPs en años anteriores. Lo cierto, es que It's Album Time resulta un escaparate perfecto para representar todas las influencias que ejercen su poder sobre la mente de Todd Terje. It's Album Time se caracteriza principalmente por su eclecticismo, ya que lo mismo contiene canciones de corte tropical como 'Svensk Sas' y 'Strandbar', como disco puro, 'Delorean Dynamite', innovadoras e indefinibles como 'Alfonso Muskedunder' o baladas como 'Johnny And Mary', la única canción cantada, en donde colabora Bryan Ferry, haciéndonos preguntar lo grandioso que sería un disco de Todd Terje lleno de canciones convencionales. Escandinavia (de donde proviene Olsen, puesto que es Sueco) parece ser un lugar de contrastes asombrosos e impensables, y no solo haciendo alusión a aquellos cambios increíbles que se dan en los paisajes de verano a invierno. Los contrastes en la música son especialmente remarcables, puesto que lo mismo existen las bandas más oscuras y frías del planeta, como Tenhi o Ulver, que solistas de influencia cálida y latina como la tienen Jens Lekman o el mismo Todd Terje.
8.3 (Easy Sound) Dream Pop, Neo-Psicodelia En mi caso, es curioso como suelo relacionarme mucho más profundamente con una banda desde el momento en el que tengo alguna experiencia curiosa al comprar sus álbumes. Tal es el caso de Papercuts, de quien compré en alguna ocasión el que es mi disco favorito de ellos You Can Have What You Want. Lo curioso fue que lo encontré al asombrosamente módico precio de 30 pesos en una plaza comercial a la cual no era nada frecuente que frecuentara. De cualquier modo dicha opinión no solo es propia, muchos ven ese disco como el mejor de Papercuts aún hoy en día. Papercuts es la banda o, mejor dicho, el proyecto de un solo hombre, Robert Quever. Desde el año 2004 este proyecto a lanzado cinco álbumes en largo incluyendo el que en esta ocasión será reseñado y, aunque todos han tenido una recepción positiva por parte de la crítica, lo cierto es que ninguno se ha convertido en un clásico o algo por el estilo. Digamos que es uno de las agrupaciones que sin duda le aportan al mundo de la música independiente, pero difícilmente la definen. Por otro lado, Papercuts ha tenido siempre un estilo muy definido, el cual ha refinado a través de los álbumes. La diferencia es que en éste, Life Among The Savages, que toma su nombre de una novela de mitad del siglo pasado, la instrumentación y los arreglos musicales parecen más orquestrales, más elavorados. Dicho factor le atribuye realmente una dimensión muy agradable a este nuevo álbum de Papercuts. Finalmente, Life Among The Savages, mantiene características que le son comunes a cualquier álbum que viene de la mente de Robert Quever: Grandes melodías, un wall of sound nebuloso y psicodelia desbordando por doquier.
8.8 (Darla) Clásica moderna, Alternativa, Experimental Una de las piezas más hermosas que han emergido durante este año, además de una de las que, musicalmente, más me han sorprendido en la última década, Stories es uno de los escasos álbumes cuya verdadera cualidad debe de ser (y en el mejor de los casos es) el escucha, incluso sobre el autor. Aún cuando existen críticos y teóricos musicales o artísticos que sostendrían que el receptor siempre es más importante que el autor, con sólidos argumentos, en éste lanzamiento del músico japonés con residencia en Berlin, Masayoshi Fujita, esta característica del arte se vuelve mucho más evidente. Como su nombre lo señala, este disco busca generar historias, pero las historias no se desarrollan de manera explícita a través del álbum, sino con cada nota y en la mente del escucha. Buscando dicha experiencia, Masayoshi Fujita tiene la genial idea de dar pistas pequeñas y increíblemente atinadas a través de la titulación de cada uno de los temas a lo largo del lanzamiento. Por tanto, es completamente inútil y futil escuchar Stories sin intentar, mínimo un par de veces, el imaginar a través de la simple musicalización del autor paisajes y mundos de bellezas tan solo equiparables a la música. A pesar de todo lo dicho, no se debe de demeritar ni por un segundo la gran labor de Fujita en el campo estricto de su labor instrumental que abarca el 100% del álbum. Aún cuando en la página oficial del japonés se anuncia a Stories como un "álbum solo de vibráfono acústico", eso no significa que alguno de sus momentos más hermosos, como lo sería la canción 'Cloud', está interpretada con cello y violín. De cualquier modo, como virtuoso del vibráfono Masayoshi Fujita brilla de manera excepcional.
Skrillex es uno de tantos músicos
contemporáneos que tienen una polaridad bastante marcada de reacciones en
cuanto a sus oyentes. Por lo general tienen una cantidad inconmensurable de
fanáticos y son conocidos internacionalmente, pero por otro lado los críticos
de música y gente que busca una expresión artística en esta, los ven con
desprecio.
En el caso particular de Skrillex estos factores
se deben, en primera, a la rápida influencia que generaron sus EPs para marcaruna tendencia como lo fue el dubstep, a través de música que catalizaba
la euforia colectiva, además de su icónico cabello que ya es indispensable para
identificarlo. Mientras que por el otro, la falta total de un argumento en toda
su obra, sin ningunaintención de
expresar una idea ni sentimiento complejo; lo han llevado a la lista negra de la
critica a lado de personajes como David Guetta o más recientemente Avicii.
Y es
que no voy a mentir cuando digo que yo también tenía bajas expectativas a
cualquier cosa que él produjese y, sin embargo, precisamente por ese motivo me he decido a juzgar su disco debut de la manera más objetiva posible.
La música es una de las más hermosas artes que
han acompañado al hombre desde el principio de la civilización; y como
cualquier arte, la música trata de expresar sentimientos, emociones e ideas que
tienen como finalidad aportar algo a la cultura.
¿Pero por qué hago tanto
hincapié en esto? Es porque no todos los géneros musicales aspiran a este
concepto artístico (aunque en realidad no creo que deba estar peleada la
expresión artística con que la finalidad musical sea distinta).Como ejemplo podemos poner digamos la salsa.
La principal finalidad de ésta es trasmitir alegría a través de la música para
que por medio de su ritmo la gente baile de forma determinada. Aún cuando se ve
limitada a seguir un estricto tipo de ritmo siempre se puede aspirar a lo
artístico y la variable independiente es la letra de las canciones. No obstante
la gran mayoría de representantes de este génerose conforman con cumplir la primera condición,
en vez de buscarletras con un contenido
más profundo. Y para complementar el argumento quiero exponer las virtudes y
debilidades de Recess que es tema que
hoy nos concierne.
Tengo que admitir que musicalmente me
sorprendió por varias razones, la
cohesión en todo el disco es muy funcional, los momentos de altas y bajas están
muy bien administradas en todo el disco por lo tanto es un disco muy digerible.
Sus influencias ya no están tan limitadas al dusbtep que era la principal
característica de sus anteriores trabajos e incluso hay una canción que
titulada “Coast Is Clear” que bien se podríacomparar en lohecho por Daft Punken su disco del año pasado, aspecto que nunca
se había visto en la obra de Skrillex, además es importante resaltar que la
euforia de las canciones es menos representativa y centrada en canciones
especificas como en Bangarang, sino está distribuida de mejor manera en todo el
disco. En resumen musicalmente es un disco más que plausible, disfrutable. Pero
es cuando lo tenemos que juzgar como una obra artística que es donde se queda
muy corto, y es que no se puede ver ningún esfuerzo por buscarlo.
Líricamente es tan escaso y lamentablemente
pobre que no debería ni tomarse en cuenta. La música como ya dije es
disfrutable, pero no busca innovar, no es propositivo, carece de una dirección
o concepto que pueda unir a todo el disco. Para terminar es unaobra que si bien tiene momentos donde se
puede reconocer su esfuerzo, son muy pocos donde se le puede admirar y
muchísimo menos recordar.
En conclusión, Skrillex necesita poner más
empeño a su trabajo, para que su música sea tomada enserio en vez de sólo decir
que es música de fiesta.
